STEEM-ESCUELA DE ARTE CONTEMPORÁNEO. Lección 2: La evolución estética de la Bauhaus, del Expresionismo al Neoplasticismo

in #bloque645 years ago (edited)

Erich Consemüller: Escena de la Bauhaus. Una mujer Bauhaus sentada en una silla "Wassily" de Marcel Breuer, con una máscara teatral de metal de Oskar Schlemmer y un vestido diseñado por Lis Volger-Beyer. Gelatina de plata, cerca de 1926. Fuente

Hola, mis eSTEEMados estudiantes de la Universidad #steem:

Aquí estoy en #steemit, esperando que los Dioses pongan fin a los constantes apagones, fallos de Internet y todos los demás graves problemas que afectan a mi #venezuela, --

Debido a una fuerte caída que sufrí y que afectó mucho mis labios y mi boca, estoy saliendo al aire un poco tarde. Sin embargo, aquí está la segunda lección de la STEEM-ESCUELA DE ARTE CONTEMPORÁNEO, una iniciativa que tomé con la esperanza de contribuir a dar valor a nuestra plataforma a través de la creación de un espacio permanente de formación en relación con el Arte Contemporáneo, y, esperemos que así sea, para que cada vez más esteemianos se atrevan a desarrollar proyectos innovadores y creativos dentro de las muchas alternativas que ofrecen los nuevos caminos del arte.

Aquí está la primera lección: STEEM-ESCUELA DE ARTE CONTEMPORÁNEO. Lección 1: Bauhaus, cien años de una gran explosión creativa que cambió nuestras vidas (1era parte)

Lección 2: La evolución estética de la Bauhaus, del Expresionismo al Neoplasticismo

Durante sus primeros años, la Bauhaus, centro de formación artística fundada en 1919, en Weimar, Alemania, bajo la dirección del arquitecto, urbanista y diseñador alemán Walter Gropius; tuvo el sello y la influencia preponderante de un grupo de pintores procedentes de un movimiento artístico nacido pocos años antes conocido como Expresionismo, en particular los organizados en torno a dos corrientes como lo fueron Der Sturm, La Tormenta, y el Der Blaue Reiter, El jinete azul. No obstante, una segunda etapa se anuncia claramente con la incorporación del artista constructivista húngaro László Moholy-Nagy (1895-1946), en 1923, con lo cual inicia una fase "funcionalista" en la evolución de la Bauhaus, en la que el arte es sometido a prueba en cuanto a su "aplicabilidad", a su “utilidad”, y entró al servicio del *diseño industrial. A ello contribuyó esencialmente una tendencia estética llamada De Stijl, El Estilo, que fue dada a conocer en la Bauhaus por conferencias de Theo Van Doesburg.

Los impulsos creadores que surgieron de la Bauhaus fueron extraordinarios y mantienen sus efectos hasta hoy. Fieles al espíritu que los movía de renovar la vida a través del arte sin arrastrar el agobiante lastre de la tradición, los directores, docentes y el mismo estudiantado supieron mantenerse abiertos al impulso creador propio de un nuevo siglo que iniciaba lleno de esperanzas e ideas innovadoras.

Otto Umbehr: Evaluación de los trabajos del Curso Preliminar de Albers. Fotografía, 1928. La Fundación Joseph y Anni Albers Fuente

El nombre mismo que Gropius dio al centro, Bauhaus, expresaba claramente la intención de conectarse con el espíritu de los tradicionales "Bauhütte", talleres, de las catedrales medievales, en los que todavía no se hacía ninguna distinción entre artes y oficios, y en los que todas las artes se complementaban bajo el predominio de la arquitectura. En el manifiesto fundacional de abril de 1919, proclamaba Walter Gropius a su equipo: "Emprendamos todos unidos la construcción del futuro, en el que todo tendrá un solo semblante -arquitectura, escultura y pintura- y llegará hasta el cielo empujado a la vez por millones de manos artesanas, como símbolo cristalino de una nueva y esperanzada fe".

Y esa nueva fe estaba representada por una serie de movimientos de vanguardia entre los que sobresalía uno que fue fundado en 1910 por Herwarth Walden, cuyo verdadero nombre era Georg Lewin. Este activo artista y promotor cultural editó una revista de arte con el título "Der Sturm", abriendo dos años más tarde una galería con el mismo nombre. Tanto la revista como la galería se convirtieron muy pronto en el más importante portavoz colectivo alemán del vanguardismo artístico, brindando espacios para creadores de diferentes estilos y tendencias.

Portada de la edición de enero de 1912 de la revista Der Sturm. Fuente

Artistas como Wassily Kandinsky y Franz Marc tomaron parte en la redacción de la publicación periódica, que ya en sus primeros números reprodujo los primeros trabajos de Oskar Kokoschka, quien llegaría a ser figura destacada del Expresionismo y todos los meses incluyó muchas reproducciones gráficas y escritos de los artistas ligados a dos movimientos expresionistas alemanes como lo fueron Die Brücke y Der Blaue Reiter, así como también aparecieron obras, manifiestos y textos traducidos de los futuristas italianos, de los cubistas franceses, y de cualquier propuesta novedosa, de manera que esta publicación informaba extensamente sobre el mundo artístico internacional de entonces. Paralelamente fue significativa la actividad expositiva desarrollada por la galería, uno de cuyos puntos culminantes lo constituyó el "Primer Salón Alemán de Otoño", preparado por Walden, el cual tuvo lugar en 1913, con participación internacional.

Wassily Kandinsky: Der Blaue Reiter (El Jinete Azul, 1903, óleo sobre lienzo, 52.1 x 54.6 cm, Stiftung Sammlung E.G. Bührle, Zurich. Fuente

Por esa misma fecha, en 1912, Wassily Kandinsky y Franz Marc coeditaron un Almanach para explicar al público las opiniones secesionistas de un grupo de artistas llamados Wiener Werkstätte, con el título de Der Blaue Reiter, haciendo referencia a un cuadro pintado por Kandinsky en 1903. Dicha publicación tomó, a su vez, su nombre de una exposición en la que exhibieron sus obras los pintores Kandinsky, Gabriele Münter, su discípula y compañera; Franz Marc, Alexei von Jawlensky y su mujer, la baronesa Marianne von Verefkin; Adolf Erbslöh; Alexander Kanoldt, Alfred Kubin, el cubista francés Henri Le Fauconnier. Paul Klee, quien no era miembro directo, pero era cercano al grupo, August Macke y Arnold Schönberg, más conocido como músico, compositor y padre de la música dodecafónica o de doce tonos.

Portada del almanaque Der Blaue Reiter, 1912. Fuente

Franz Marc: Der Traum (El Sueño), 1911. Óleo sobre lienzo. 100,5 cm. X 135,5 cm. Thyssen-Bornemisza Museum, Madrid. Fuente

Marianne von Verefkin: Autorretrato 1, hacia 1908-1910. Témpera sobre papel, 51 x 34 cm. Munich, Städtische Galerie im Lenbachhaus. Fuente

El sentido renovador, el carácter internacionalista, los nuevos planteamientos en cuanto a la forma y el color, tanto de Der Sturm como de Der Blaue Reiter, encontraron resonancia y terreno fértil pocos años después al nacer la Bauhaus como fundamento de una radical reforma educativa que pretendía desarrollar una estructura social de la idea misma de creatividad. Fue tan significativo el eco que estas voces alcanzaron en la nueva escuela que Kandinsky, Klee, Jawlensky y Feininger, ligados a estos movimientos, fueron invitados y se incorporaron como profesores en la Bauhaus de Weimar.

Pero a finales de la segunda década del siglo XX surgiría una nueva corriente artística que pretendía limpiar al arte de todo lo que no fuera esencial y que, a medida que se avanzaban los años veinte, fue tomando gran relevancia en la filosofía misma de la Bauhaus, en particular, a partir de la inclusión en la nómina docente de Moholy-Nagy en 1923. El año 1917 fundó Theo Van Doesburg en Holanda, con el arquitecto J.J. P. Oud y el pintor Piet Mondrian, la revista De Stijl, en la que se presentaban los principios de un movimiento artístico del mismo nombre, estrictamente abstracto y funcional cuyos fundamentos teóricos fueron concebidos primeramente por Mondrian, en paralelo con Kasimir Malevich, creador de la teoría del Suprematismo.

Piet Mondrian: Composición II en Rojo, Azul y Amarillo, 1930. Óleo sobre lienzo. 86 x 66 cm. Colección privada. Fuente

Mondrian elaboró, especialmente para la pintura, un sistema de formas geométricas puras a partir de la simplicidad de las proporciones elementales en las que la lineatura queda reducida a horizontales y verticales, y a los colores primarios -rojo, amarillo y azul-, así como a los no-colores -blanco, negro y gris-. Estos planteamientos, condensados por Mondrian en su Teoría de la abstracción funcional pura que era una continuación lógica del cubismo, aspiraban a una ordenación autónoma del arte para alcanzar una percepción precisa de lo regular, lo constructivo y lo funcional, alejada de la subjetividad individual, y fueron rápidamente transferidos a la arquitectura y al diseño por el Neoplasticismo.

El funcionalismo de Mondrian fue reformulado por Van Doesburg bajo la proposición de "elementarismo orgánico", según el cual la construcción arquitectónica debe desarrollarse a partir de los elementos configurativos de la arquitectura, como lo son la función, el volumen, la superficie, el tiempo, el espacio, la luz, el color y el material, aplicados a un procedimiento constructivo racional ajustado a las condiciones del entorno y la finalidad. De este modo, el orden armónico y la planificación racional del De Stijl vinieron a ser las directrices de la arquitectura y el diseño neoplasticistas, que llegó a alcanzar prestigio internacional. Muchas de estas ideas fueron impartidas dentro de las aulas de la Bauhaus, bien sea directamente por algunos de sus propulsores, o por seguidores de las mismas.

Theo van Doesburg: Cinebal, Sala de baile y cine, 1928. Reconstrucción en Aubette, Estrasburgo. Fuente

Como se puede deducir, lo que se ha dado en llamar el estilo Bauhaus es en realidad una sumatoria, una evolución de diversas tendencias, escuelas y visiones que sobre el arte, la arquitectura y el diseño fueron presentándose en un contexto histórico y social tan efervescente como lo fue la Europa de comienzos del siglo XX, signada por el surgimiento, nada más y nada menos que de dos guerras mundiales. Ciertamente la Bauhaus tuvo el gran mérito de haber sido un espacio bien organizado en el cual el debate libre, la experimentación y la difusión de las nuevas ideas constituían la razón misma de ser de un gran esfuerzo en materia de formación de los artistas del siglo que comenzaba.



Bueno, vamos a terminar nuestras lecciones por hoy.... # Con la STEEM-ESCUELA DE ARTE CONTEMPORÁNEO podremos descubrir una gran variedad de propuestas dentro de lo que ha sido la evolución de las disciplinas artísticas desde el siglo XX hasta nuestros días.

STEEM SCHOOL of Contemporary Art.jpg

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El funcionalismo surgido de esta corriente creativa, en Suecia es prácticamente una forma de ser, una forma de pensar, y una forma de vivir. Un ejemplo muy conocido son los productos de Ikea.
Recientemente estuve en Estocolmo y pude comprobarlo.
Un saludo 😊

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