El Sargento Pimienta: la revolución musical de The Beatles (segunda parte)
Existen artistas y agrupaciones que no solo pueden llegar a cambiar el destino de la música de su época e incluso de las generaciones que les siguen, sino que también pueden convertir sus obras discográficas en un reflejo del momento histórico en que fueron creadas.
Este es el caso de The Beatles, la agrupación de rock británica formada por John Lennon (voz y guitarra), Paul McCartney (bajo y voz), George Harrison (guitarra) y Ringo Starr (batería) a finales de la década de 1950.
Lo comentado se refleja en el octavo disco de la banda compuesto por trece temas y publicado el 1 de junio del 1967 en el Reino Unido y al día siguiente en Estados Unidos de América. Este álbum, que significó una revolución musical que se percibe hasta el día de hoy, se titula Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band o Sgt. Pepper´s (Sargento Pimienta) como también se le llama de forma más breve.
Para esta segunda entrega vamos a adentrarnos para conocer algunas particularidades conceptuales, musicales y de grabación de cinco de los trece temas del disco, más otros dos que fueron considerados en un principio, pero que después, por decisiones a nivel de producción, aparecieron como sencillos y no en el Sargento Pimienta. A pesar de esto, estas dos piezas son de una capital importancia en esta etapa creativa del disco (y de la historia musical de The Beatles) por las razones que más adelante explicaré. Por ello deben ser considerados indirectamente como canciones de esta producción discográfica.
La intención de hacer esto, es poder disfrutar mejor de nuestro proceso de audición de Sgt. Pepper´s.
Si no tuviste la oportunidad de leer la primera parte del post para conocer los antecedentes, concepto, portada y curiosidades, te recomiendo que antes de continuar leas dicho post, te llevarás muchas sorpresas:
El Sargento Pimienta: la revolución musical de The Beatles (primera parte)
EL SARGENTO PIMIENTA: UNA IDEAS PRELIMINARES
Las sesiones de grabación comenzaron el 24 de noviembre de 1966 y terminaron el 21 de abril de 1967, siendo la mayor parte de las canciones del disco compuestas por John Lennon y Paul McCartney, mientras que otras por George Harrison o en combinación con los dos anteriores y una por Ringo Starr.
Un detalle interesante que se puede destacar, es que el disco del Sargento Pimienta fue influido desde el punto de vista técnico e instrumental por el álbum Pet Sounds de The Beach Boys, editado en mayo de 1966. En palabras de George Martin, el productor musical de The Beatles: “…sin Pet Sounds, Sgt. Pepper's no habría existido [...] Pepper fue un intento de igualar a Pet Sounds”.
Al ser la banda más popular de ese momento y la más exitosa de EMI, tuvieron acceso ilimitado a la tecnología de grabación de Abbey Road Studios, perteneciente a dicha compañía discográfica. La mayor parte de los temas fueron grabados en este estudio, y uno solo en Regent Sound Studios.
Todas las piezas del disco fueron registradas y editadas en sonido monoarual y estereofónico mediante una grabadora de cuatro pistas. El Sargento Pimienta se grabó con una técnica llamada reducción de mezclas, en la cual las canciones se registraban en una grabadora de cuatro pistas, luego se mezclaban para ser incluidas en una de las cuatro pistas de una segunda grabadora. De esta forma pudieron contar con la libertad de poder registrar la música con los niveles de complejidad que deseaban.
Un detalle interesante es que nadie tuvo noticias de lo que estaban cocinando en el estudio de grabación hasta febrero de 1967, momento en el que lanzaron dos temas de los tres que tenían grabados para el Sargento Pimienta. Ellos fueron Strawberry Field Forever y Penny Lane. Aunque después no aparecieron en el disco, tanto su compañía discográfica (EMI) como su manager Brian Epstein consideraron que era imprescindible sacar un sencillo después de siete meses sin publicar nada, por lo que ambos temas fueron lanzados como un doble lado A. Luego, George Martin se arrepentiría, considerando que fue una de sus peores decisiones como productor.
Como dato curioso les puedo decir que la intención inicial del disco era hacer un álbum temático unido por la infancia de los cuatro Beatles (idea de John Lennon). Sin embargo, al no incluir en el disco los temas que hacían referencia a esta propuesta (Strawberry Field Forever y Penny Lane), se decidió en febrero de 1967 tomar la idea de Paul McCartney alrededor de la banda ficitica de nombre Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band. Para conocer el concepto que dio origen a esto, recomiendo leer el primer post antes mencionado, donde explico con mayor detalle este aspecto clave para entender la propuesta sonora del álbum.
Es por esta razón que realmente los temas que forman parte del Sargento Pimienta comenzaron a grabarse en enero de 1967, a pesar que las sesiones de grabación se iniciaron como ya dije a finales de noviembre de 1966, momento en el que se registraron los dos temas antes mencionados, los cuales fueron editados como sencillo y no incluidos en el Sgt. Pepper´s.
STRAWBERRY FIELD FOREVER
Aunque Strawberry Field Forever no apareció en el disco, fue el primer tema que se grabó durante las sesiones del proyecto. El título proviene de una casa de niños del ejército de salvación llamada Strawberry Field, la cual estaba cerca de la casa donde John Lennon creció. La canción se basa en los recuerdos de infancia que tuvieron lugar en las fiestas de jardín anuales donde tocaba la banda del ejército de salvación, en donde podían jugar sin la supervisión de los adultos. En este tema se usó un instrumento poco conocido: el Mellotron. Luego, usado por Led Zeppelin e incluso los Rolling Stones.
Como dato curioso, se necesitaron 55 horas en el estudio para grabar este tema. John decidió que podían combinar el tono onírico de una toma con el tono enérgico de otra. Cada una de ellas fue grabada con 10 días de diferencia y eran completamente diferentes en velocidad, tonalidad, instrumentos y volúmenes. Hoy en día esto se puede hacer con facilidad gracias a la tecnología existente, pero en diciembre de 1966 era algo impensable, ya que nunca antes se había hecho. Era una idea genial, pero, ¿cómo ralentizar de forma controlada una de las cintas (la toma más rápida) para que pudiera coincidir con la otra en velocidad y tonalidad? Todavía no se podía, pero el ingeniero de sonido de EMI Ken Townsend inventó un dispositivo que hizo esto posible.
PENNY LANE
John Lennon y Paul McCarteney se conocieron en 1957 en una fiesta de la iglesia cerca de Strawberry Field. Desde entonces su relación fue tanto de colaboración como de rivalidad.
Si Lennon había compuesto Strawberry Field Forever, McCarteney creó Penny Lane. El título de la canción hace referencia al lugar cerca del cual ambos crecieron. De adolescentes se veían en la parada de autobuses de ese sector de la ciudad londinense, por lo que el tema es un viaje surrealista y nostálgico a los inicios de la banda.
En la grabación se registraron cuatro pianos, mostrando como usaron el estudio de grabación como parte de su proceso creativo. A esto hay que añadir el armonio, un órgano (instrumento de teclado) usado en el siglo XIX en las iglesias y capillas. Esto se hizo así porque la idea era añadir notas profundas y sostenidas.
Esto último, el usar instrumentos olvidados, poco conocidos e inusuales es parte del sello distintivo del proyecto y se hará presente en otras piezas del disco.
En Penny Lane también se usaron instrumentos de viento madera y metal, entre ellos una trompeta piccolo, usada por última vez en 1750. Como anécdota, resulta que mientras grababan este tema, Paul vio en televisión el Segundo Concierto de Brandenburgo de J. S. Bach, por lo que decidió que quería introducir ese sonido barroco de trompeta en la pieza. Esta clase de combinaciones crea un sonido híbrido característico en todo el disco.
BEING FOR THE BENEFIT OF MR. KITE
Ahora bien, este viaje nostálgico con Penny Lane también se reflejó en otros temas como Being for the Benefit of Mr. Kite.
En enero de 1967 John Lennon entró en una tienda de antigüedades en Sevenoaks y vio un cartel de una actuación en un circo de 1843. Él lo compró y buena parte de la letra de la canción proviene de este anuncio. A su vez, este tema refleja las limitaciones tecnológicas de grabación de ese entonces, pero también la creatividad de George Martin y los ingenieros de sonido. Para no hacerlo muy técnico, solo les comentaré que en aquel entonces solo se podían grabar cuatro instrumentos o sonidos separados en una cinta magnética, a diferencia de hoy día, en donde la grabación digital permite registrar cientos de instrumentos (pistas de sonido) sin limitaciones para después unirlos.
Para el mencionado tema tuvieron que tomar las cuatro pistas de una máquina, mezclarlas para después unirlas (grabarlas) con las cuatro pistas registradas en otra máquina y así sucesivamente hasta montar el tema completo. No se podía grabar todo junto, porque la canción se creaba capa por capa para obtener el resultado que hoy día podemos apreciar.
La idea era crear la sensación de un circo viejo a través de la música. Dentro de esa búsqueda decidieron usar el sonido de un órgano de feria llamado calíope. Para lograr este sonido de tarjetas perforadas, el asistente de Martin, Geoff Emerick, cortó diversas cintas en fragmentos de un segundo, las lanzó al aire y después las unió (pegó) de nuevo para crear un retazo de sonidos aleatorios.
LUCY IN THE SKY WITH DIAMONDS
Y ahora uno de los temas más famosos de The Beatles: Lucy in the Sky with Diamonds.
Se sorprenderían al saber en qué se basó John Lennon para componer este tema: la ilustración de su hijo Julian de una amiga de la escuela. También fue influido por el libro Alicia en el país de las maravillas (1865) de Lewis Carroll, un texto predilecto de la niñez de John y Paul, el cual se podría considerar un clásico infantil surrealista. En el caso de Lucy in the Sky with Diamonds se evoca una visión infantil del mundo tanto en las letras como en la música. Este hecho, por ejemplo, se evidencia al inicio del tema en donde se simula una caja de música con el uso de lo que se llama una escala cromática tocada por Paul en el teclado, dando la sensación de un mundo onírico. Para seguir manteniendo esto se hace lo que se conocen como cambios de tonalidad (modulación) a través del uso de los acordes y progresiones de estos, lo que se podría considerar un viaje armónico a lo largo del tema. El bajo eléctrico cumple un rol fundamental en este caso. Esto genera imprevisibilidad. Para que entiendan mejor el tema de las modulaciones, ya que es algo característico de este disco, imaginen un caleidoscopio o cuadro cambiando por diferentes colores y formas.
Por otro lado, las voces también fueron alteradas para obtener una versión más joven de ellos, dando la sensación de que fueran niños los que cantan. Esto en función de seguir dando ese toque infantil a los temas.
SHE´S LEAVING HOME
El tema She´s Leaving Home se basa en un artículo de prensa que Paul McCartney leyó durante la grabación del Sargento Pimienta, sobre una joven que abandonó su hogar en busca de una nueva vida en la gran ciudad. Lo interesante de este tema, es que se reflejan los puntos de vista de los distintos personajes involucrados, como son la hija y los padres, en ocasiones narrados en primera persona y en otros en tercera persona. Algo que resalta son el uso de un arpa e instrumentos de cuerda orquestal, así como la presencia de un sistema musical anterior al que estamos acostumbrados, en este caso el modal. Para que tengan referencias al respecto, les comento que la música vocal de la Iglesia Católica en la Edad Media y la tradicional de algunas naciones, como la celta (Irlanda), es modal, evocando algo antiguo o anterior a nuestra época actual.
WITHIN YOU WITHOUT YOU
Al llegar al tema Within You Without You podemos notar que el disco nos lleva a otra cultura y sonoridad: la India. Esto no es nada extraño dada la influencia que la música hindú tuvo en The Beatles, pero en especial en George Harrison, quien para este tema trabajó con músicos de ese país. Fue incluso discípulo de Ravi Shankar, estudiando con él la sítara. También se preocupó no solo en conocer la música, sino también la filosofía de este país. Como muchas personas de esa época, se encontraba en una búsqueda espiritual y la India fue ese lugar.
Este tema se caracteriza por el uso de una instrumentación y ritmos propios de la música indú, así como buscar una estructura, melodía y forma de interpretación que sea un cruce entre occidente y oriente.
A DAY IN THE LIFE
A Day in the Life se compuso antes que el resto de los temas del disco y es considerado el climax emocional y musical de esta producción discográfica. Se dice que condensa distintos elementos musicales repartidos en el resto de temas, hasta el punto de ser considerado el Sargento Pimienta en miniatura. El tema se inspiró en un artículo de prensa que expone la muerte de un joven aristócrata, amigo de The Beatles, en un accidente automovilístico y de otro adicional sobre un escándalo en Blackburn, Lancashire, Inglaterra. Fue el resultado del encuentro de dos composiciones diferentes: una de John y otra de Paul. La primera es una estrofa de John y la segunda es un fragmento de una pieza de Paul, la cual fue introducida en el medio de A Day in the Life.
El final de este tema es uno que no ha tenido precedentes en la historia de la música pop. Tanto John como Paul eran curiosos musicalmente hablando, por lo que en el caso de este último, le gustaban las técnicas experimentales y de vanguardia de la música académica, como la de los compositores John Cage y Karlheinz Stockhausen. De esta forma idearon junto a George Martin que una orquesta de cuarenta músicos tocaran la nota más grave que pudieran en sus instrumentos y luego tocar cualquier nota que quisieran, como quisieran, siempre y cuando aumentaran gradualmente su intensidad para terminar en una de las tres notas de un acorde de mi mayor en el registro más alto de su instrumento. Este acorde final tiene la particularidad de sonar durante 43 segundos y seguir resonando más allá de este tiempo sin desvanecerse a la velocidad habitual. En el caso de un piano y el uso de un pedal que este posee, solo se podía sostener de manera natural durante máximo 40 segundos dependiendo de la sala, para después desvanecerse paulatinamente. Sin embargo, para lograr este efecto usaron siete pianos acústicos, un órgano eléctrico y un armonio. Es decir, nueve teclados en total. Por último, aprovecharon la posibilidad que les brindó la mesa de mezcla para subir sutilmente el volumen de cada nota del acorde de los siete pianos acústicos mientras este se desvanecía. Así lograron que el acorde se mantuviera vivo por más tiempo.
PUNTO FINAL
Deseo destacar que parte del análisis que comparto con ustedes en este post, se basó en el documental escrito y dirigido por el compositor británico Howard Goodall, titulado Sgt. Peppers Musical Revolution (2017), para celebrar el 50 aniversario del lanzamiento del disco.
Dado el impacto de este disco, que marca un antes y un después en la forma de grabar y componer desde un estudio de grabación, Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band también fue la banda sonora de la revolución social y cultural de su época, el cual sigue teniendo ecos hasta el día de hoy.
En otras palabras, no se puede entender la música popular de la segunda mitad del siglo XX sin el Sargento Pimienta.
¡Nos leemos en un próximo post dedicado a Rosalía y la apropiación cultural del flamenco!
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¡The Beatles! una leyenda!!! cada vez que escucho este disco se me viene a la mente el mito de Paul McCartney ¿será que sí está muerto? jeje. Un abrazo :)
¡Hola, @rahesi! 😂 Afortunadamente Paul McCartney anda muy creativo y no para de tocar y grabar. Este disco es de otra dimensión y no me quiero imaginar cómo lo escuchaban en aquella época. Gracias por tu visita 😀👍. Un abrazo y todo lo bueno
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